PHSについての基礎知識!スマホや携帯との違いとは?

PHSについての基礎知識!スマホや携帯との違いとは?

スマホの普及によって、かつては会社員が携帯電話と2台持ちしたほど使用されていたPHSは、近年その姿を失いつつあります。しかし料金が安く、使いやすいことから、会社や医療機関、高齢者などの間でまだまだ需要があります。 若い世代には少し縁遠い存在となったPHSにはどんな機能があるのか、そしてスマホや携帯電話とどのような違いがあるのでしょうか? 今ではあまり見なくなった「PHS」とは一体何なのか — PHSとは「Personal Handy-phone System」の略で、簡易型携帯電話のことをいいます。 一般電話回線からPHS用のアンテナを引いて使用するため、家庭用のコードレスフォンを外出先でも使えるようにしたのがPHSの始まりです。 そのために、近距離での通話を得意としていて、携帯電話と比較すると音質も良く、料金も安く抑えられています。また端末が発する電磁波が微弱で、端末価格や基本料金、通話料金も安いので、スマホが普及した現代でも医療施設内や会社内などで利用されていて、まだまだ需要はあります。 スマホや携帯電話との違いは何? — 一方、スマホとは、多機能電話のことをいいます。2010年頃から一般向けに急激に普及し、今では日本人の2人に1人は持っていると言われています。電話やメール、インターネットは当然のことながら、指で操作ができるのが特徴で、アプリの種類もどんどん増えており、インターフェイス・デザインもさまざまです。携帯する小さなコンピューターのような存在として、世界中で広く使われています。 携帯電話は、スマホが普及してから「ガラケー」とも呼ばれています。 インターネットもできますが、電話とメールに特化していて、アプリに対応しないものがほとんどです。一見PHSとの区別がしにくい端末もありますが、電話する際に使用できるエリアがPHSよりかなり広いところが最も大きな違いといえるでしょう。 PHSはどんな場面で活躍するのか? — PHSは遠距離になるほど料金が高くなり、場合によっては携帯電話よりも通話料金が高くなってしまうので、近距離の連絡や長電話するときに活用されていることが多いのが現状です。例えば近所に住んでいる者同士が頻繁に長電話をするのなら、スマホや携帯電話よりもPHSの方がずっと安く使えるので、とても便利です。 また、端末から出る電磁波が微弱なので、電磁波に弱い医療機器が置かれている病院などの医療施設にはうってつけの通話機器となっています。 さらにスマホ1台の使用料金が月額10,000円以上かかるのに対して、PHSは月額2,000〜3,000円程度と非常に安いので、普段、頻繁にアプリやインターネットを使用することのない方や2台持ちしたい方に適しているでしょう。 進化するPHSのデザインとユーザーインターフェイス — Y!mobile「Heart 401AB」、プレスリリースより さて、PHSといえばモニターが小さめでテンキーが独立しており、スマホと違ってタッチパネルではないのが一般的なデザインなのですが、昨今、そのデザインに変化が訪れているようです。 2015年、通話のみの機種として発表されたPHS「Heart 401AB」は女性利用者をターゲットにしたハートのデザイン。テンキーがなく、タッチセンサーで操作するモデルで、ハート型からストレート型にひねるだけで通話ができるというとてもシンプルなものです。 このように、必要最低限の機能だけを搭載し、デザインを重視する機種があるのもPHSのおもしろみです。新たなデザインや技術をもって、PHSもスマホ同様に日々進化していくでしょう。 インターネットやゲーム、写真撮影など、さまざまなアプリに対応するスマホは、よりスマートなデザインに進化していくでしょう。一方で、PHSはよりシンプルに、より使いやすくなるようにデザインやユーザーインターフェイスがどんどん変化していくのかもしれません。

ポルカドット:アート、宇宙、そしてグラフィックデザイン

ポルカドット:アート、宇宙、そしてグラフィックデザイン

ポルカドット。宇宙そのものが身に着けている唯一の装飾モチーフとして、私たちはポルカドットをかなり本格的に紹介する価値があると考えています。 実際、ポルカドットは、私たちが想像する以上に歴史が深いです。19世紀半ば、英国でメンズファッションの世界で初めて流行してから、ポルカドットは(ちなみに、ポルカダンスとの関係性は証明されていません。フラメンコとの関係は証明されています)現代美術の歴史の中で、思いのほか重要な位置を占めるようになりました。 ESA/Hubbleより ポスト印象派の画家、ジョルジュ・スーラが描いた作品から、物議をかもす現代美術アーティスト、ダミアン・ハーストの何百万ドルもする作品まで、ポルカドットを用いた数多くのすばらしい作品について見ていきましょう。 そして、グラフィックデザインに関してはどうでしょうか?もちろん、見事なロゴ、商品パッケージ、そしてその他にもポルカドット模様のものがたくさんありますが、ドットはそれ以上にもっと深いところにまで及んでいます。 (左)元英国首相のウィンストン・チャーチル、勝利の水玉の蝶ネクタイを着こなしている(右)フラメンコダンサー 今までもしDPI(dots per inch;ドット毎インチ)やPPI(pixels per inch;ピクセル毎インチ)の用語について考えたことがあれば、印刷とデジタル両方のデザインされた画像はドットの集まりによって構成されていることを知っているでしょう。その通りです。ここではまずビッグ・バンから取り上げ、そしてコンピューターモニタとインクジェットプリンタの内部構造にクローズアップしていくつもりです。それでは早速見ていきましょう。 アートの中のポルカドット — 点描画法 ジョルジュ・スーラと彼が点描画法で描いた絵画作品のひとつ「サーカスの客寄せ」(1889)の細部 19世紀後半、印象派に続き、点描画法は目に見える筆のタッチをさらに押し進めるという急進的な実践に取り組みました。たくさんの小さなドットからなる絵を描き始めたのです。(実際、現代のプリンタの仕組みにかなりよく似ています) フランス人画家、ジョルジュ・スーラによって擁護されたこの技法は、色彩理論の仮説から来ています。すなわち、たくさんの異なった、かつ補色カラーのドットをそれぞれ隣り合わせに置くと、(CMYKプリントで起こるように)人間の目ではそれらが中間色調に溶けこんで見えます。しかし、実際に絵画で実践してみると、これはうまくいきませんでしたが、それでも出来上がった作品は目をみはるものでした。 ジョルジュ・スーラの代表作「グランジャット島の日曜日の午後」(1884) ベンデイドット ロイ・リキテンスタインとベンデイに影響を受けた作品「Forms In Space」(1985) 1950年代コミックブックは色のスペクトルを成し遂げるために、シアン、マゼンタ、イエロー、ブラックのわずか4つの印刷プロセスカラーを使用するという安上がりな方法を採用しました。イラストレーターのBenjamin Henry Day, Jr.にちなんで名付けられた “ベンデイ”方法はドットを異なった感覚で重ね合わせ(もしくは配置して)、新しい色調の認識を作り出します。たとえば、シアンとイエローを重ねるとグリーンが出来上がり、マゼンタのドットを白いものの上にさらに間隔をあけて置くとピンクという知覚を作り出します。 ポップアーティストのロイ・リキテンスタインはこの方法の技巧を、自身のコミックブック画の象徴的な大型スケールのペイントで明白なものにしました。 ロイ・リキテンスタインの有名な作品「M-Maybe」(1964) このメークアップアーティストはリキテンスタインに影響を受けた驚くべき衣装をうまくまとめている。 インフィニティ・ドット 草間彌生と彼女のインスタレーション「Infinity Dots Mirrored Room」(1996) もしポルカドットのパワーを理解している人がいるなら、それは日本人アーティストの草間彌生です。生涯を通して精神病に苦しみ、東京の精神科の病院で自発的に暮らしているこのアーティストは、作品を作るという精神的なセラピー治療の繰り返しがなければ、ずっと昔に自殺していただろうと語っています。彼女のインスタレーションは、ポルカドットの彫像とミラーを使用し、模様が延々と広がっています。その壮大なドットについて、草間彌生はこう語っています。 「ポルカドットは太陽と月を形どっています。太陽は全世界と私たちの生きている人生のエネルギーの象徴です。そして月は、穏やかで、丸く、柔らかく、カラフルで、無意味で、無知の象徴です。ポルカドットはムーブメントになっています・・・インフィニティ(無限の宇宙)への道筋なのです」 草間彌生、「Passing Winter」(2009) ダミアン・ハースト ダミアン・ハーストと1億ドル(約111億円)の価値がある、ダイアモンドをちりばめた頭蓋骨「神の愛のために」(2007) 2億ポンド(約300億円)以上もの資産を有するイギリス人アーティストのダミアン・ハーストは、2012年、ポルカドットの流行に便乗し、300ものドット作品のシリーズを発表しました。これにより、世界で最も裕福な現存アーティストとなりました。チャリン! ダミアン・ハースト、「Myristyl Acetate」(2005) グラフィックデザインとプリント工程へのピクセル — 左:RGBサブピクセル、中央:ピクセルとプリントされたドットに関する図解、右:そして実際にクローズアップされたプリンタのドット画像 ピクセル、ドット、そしてポイント―なんとまあ!これら3つの要素の相互関係はPhotoshopに詳しい人なら知っている“DPI” や “PPI”の分野という形で実質的に明らかとなっているように、その相互関係についてのみ書いたブログが投稿できるほど複雑です。(これについては乞うご期待・・・) 今のところ、あえて言うなら、コンピュータ画面はピクセルの列が縦横並んで構成されており、さらに各ピクセルは加色法の結果として知覚色のスペクトルを生成し、さまざまな組み合わせで光るレッド、グリーン、ブルーのサブピクセルでできています。一方プリンタは1インチあたり300から600の密度で小さなドットとしてインクを噴出しています。 これでわかったでしょうか?根本的には、どんなデザインであっても、ただ何らかのドットが集まっているだけです。ドットを尊敬しましょう!そしてポルカドットを装飾として積極的に使用しましょう。最後にそのすばらしいデザイン例をご覧ください。 リキテンスタインに影響を受けた99designsデザイナーTintoDeVeranoによる見事な名刺 99designsデザイナーBoolaによるロゴデザインでのポルカドット デザイナーKirstie…

新技術がタトゥーデザイナーのクリエイティブ性を高める

新技術がタトゥーデザイナーのクリエイティブ性を高める

素晴らしいタトゥーは、その人の個性を際立たせる手作りの芸術作品です。つまり、タトゥースタジオで一般的なデザインを選ぶ必要などないのです。今は手作業でなくても、独創的なタトゥーをデザインできます。近年、技術が進化したおかげで、複雑なデザインをデジタルで作成できるようになったからです。 彫師は今なお手作業で皮膚にタトゥーを入れていますが、その技法は近年飛躍的に進化しています。ボディーアートの施術者として最も名高いSailor Jerryは、1920年代にタトゥーの施術を始めた当時、手作業で針を刺していました(彼は後に、回転式の装置を使うようになりました)。そして現代の彫師たちは、より安全で、針が複数本付いた装置を使っています。それらは高性能で、さまざまな用途に対応しています。つまり、Photoshopのスキルを持った彫師やデザイナーは、単なるスケッチを超越したレイヤー状の画像を作成し、そのデザインを新たな装置を使って実際のタトゥーとして入れられるのです。 その一例が、ドイツにあるタトゥースタジオBuena Vista Tattoo Clubで、彼らはヨーロッパにおける”Trash Polka”スタイルブームの火付け役です。このスタイルでは、テキストやグラフィティアート、重みのあるシェーディングを織り交ぜて、写実的でありながらも絵画的で、独創的なデジタル画像を作成します。コンピュータ上でデザインされているにもかかわらず、完成したタトゥーは生き生きとしていて、入り組んだデザインが人目を引きます。 Buena Vista Tattoo Clubより タトゥーの絵柄をデジタルでデザインすれば、テキストと画像をいろいろ組み合わせることができます。これにより、かなり昔からボディアートに使われていたテーマは、今、新たな展開を見せています。フランスの小さな街トノン=レ=バンにあるNeedles Side Tattoosで働くXoilは、タトゥーのグラフィックデザインで一躍有名になりました。XoilはPhotoshopを使って、テキストに非対称のラインと抽象的な絵を重ね合わせています。この効果によって、イラストやスケッチ、絵画を混ぜたコラージュのような雰囲気が出ます。 Needs Side Tattooより しかしデザイナーは必ずしも、タトゥーのデザイン作成と施術の両方をできなければいけないわけではありません。彫師の多くは、さまざまなスタイルを描画できます。優秀な彫師(自分の得意分野以外でも進んで仕事をする人)と組めば、デザイナーは自身の作品を彫師に渡して、施術を任せることが可能です。 このデザインプロセスにおける成功のカギは、クライアント側が非常に具体的なアイデアを持っていて、かつ特定の絵柄は頭に浮かんでないことです。以下に、99designsの社員がコンペ中に入れてもらったタトゥーをいくつか紹介しましょう。これらの絵を描いた人々は、最先端の複雑なタトゥーデザインのアイデアを的確に汲み取ることに成功しています。 デザイン by Ilustreishon 99designsのスタッフであるGarrettは、(シーシュポスの神話に刺激を受けて)丘で大きな石を押し上げている男のタトゥーを入れたいと思っていました。彼が求めていたのは、今までに見た絵とは異なる独自性のある絵柄です。これに対してデザイナーのIlustreishonは、シェーディングやシェイプ、幾何学模様、テキストを織り交ぜた詳細なスケッチを提供しました。実物のタトゥーを見ると、素晴らしい出来栄えです。 デザイン by Giulio Rossi デザイナーコミュニティチームメンバーのFloydは、自らの経歴をPink Floydと結び付けようと考えていました。彼の頭の中には具体的なイメージがたくさん浮かんでいたのですが、それをどう関連付けたらよいか迷っていました。ボディーアートの要素を1つに統合したいけれど、イメージをごちゃ混ぜに継ぎ合わせるのは嫌だったのです。デザイナーのGiulio Rossiは、それらの要素を統合して、複雑な曲線やライン、シェーディングを織り交ぜたデザインを見事に完成させました。 デザイン by Ilustreishon Kevinの希望は、グラフィック要素を取り入れたタトゥーで、故郷のサンフランシスコに敬意を表すことでした。その期待に応えたのがIlustreishonです。彼はサンフランシスコを象徴するイメージをありのままに描写し、何種類かの色付け技法を使って、大胆で個性あふれるタトゥーを仕上げました。 デザイン by Giulio Rossi カスタマーサポート担当の非凡なMonicaは、テキストと絵を組み合わせて、隠れた意味を持つ作品を作ることを重視しました。彼女の場合、インスピレーションはたくさん湧いていましたが、好きなコンセプトを統合したデザインは思い付いていませんでした。ここで再び、Giulio Rossiの力の見せ所です。幾何学的な図形や自然なフォーム、テキストを組み合わせた彼の素晴らしい作品には、不思議で魅力的なイメージが漂っています。 タトゥーの世界に足を踏み入れようとしている、もしくはタトゥーを入れようと考えている方にとって、今はかつてないほど多くのクリエイティブな選択肢があります。ぜひ、思い切って行動してください!タトゥーに携わった経験のあるデザイナーにサイト上で話を聞いたり、地元の彫師に相談したりしてみるといいと思います。生身の人間をキャンバスにした永久に残る芸術作品として、素晴らしいアイデアに命を吹き込んでみませんか? タトゥーをデザインした経験があれば、ぜひコメントをしてシェアしてください! [ 翻訳:shunichi shiga ]

書体を知ろう:Futuraの驚くべき過去

書体を知ろう:Futuraの驚くべき過去

書体の選択が、デザインの出来を左右することがあります。それはウェブや印刷物などのページや、文章、単語に当てはまりますし、実際にはたった1文字であっても、書体によって良くも悪くも見えてしまう程です。Comic Sans(コミックサンズ)が嫌いな人々に意見を聞いてみれば分かります。 1世紀以上にわたり、デザイナーたちは書体の重要性を十分に意識してきました。じっくりと考え抜かれたフォルムを持つ数々の書体がたどってきた歴史は、まさに驚きに値します。例えば、Futura(フーツラ)という書体は、“未来”を意味するその名にふさわしく、誕生から90年を経た今でも、変わらずに活用されています。このフォントの作り手たちは制作の課程において、単に「良いデザイン」を目指した訳ではありませんでした。彼らは最大限に効率的な社会、すなわちユートピア(理想郷)の創造を目指していたのです。 この書体にまつわる物語をご紹介しましょう。 26+ Zeichen: Edelsans 1922年、ドイツ人のヤコブ・エアバー教授がGeometric Sans Serif(ジオメトリックサンセリフ)という書体を作り出しました。この書体は、多大な影響力を誇るデザイン学校であるバウハウスの思想に基づき、装飾や特徴的な要素を廃し、純粋に機能性を追求したものです。そのフォルムは、すべての書体の構成要素として最も基本的な、円をベースにしています。そして、読みやすいことこの上なく、書体の本来の機能をしっかりと果たしています。 バウハウスのデザイナーたちは、フォルムと機能が、装飾や乱雑さ、装飾的な過去の再来といったものを一掃した世界を信じていました。その世界においてのみ、社会的平等が真に実現されると彼らは考えていたのです。それはさしずめ、デザインによる理想郷と言ったところでしょう。 Futura light(フーツラ・ライト)、Futura regular(フーツラ・レギュラー)、Futura semibold(フーツラ・セミボールド)の各書体:Paul Renner (Wikipediaより) バウハウスの正式メンバーではありませんが、ドイツ人のパウル・レナ―という書体デザイナーは、バウハウスの教義を信じており、エアバー教授の書体をより良いものにできると考えました。そしてレナ―は1927年に、Futuraを生み出しました。 この書体は、幾何学的形態(ほぼ完全な円、三角形、四角形)を全面的にベースにしたフォルムで、線のウェートとコントラストはほぼ均一です。また、小文字は非常に縦に長く、同じ書体の大文字より高さがあります。Futuraはまるで、効率そのものを体現しているようです。あからさまな「スタイル」の主張はせず、清潔感と統一感があり、読みやすく洗練されています。 フォルクスワーゲン広告:Jeff Minarik (Coroflotより) 『イケア、Futuraに別れを告げる』:idsgn 過去1世紀にわたり、数々のデザイナーや企業はFuturaの魅力を活かして、印象的な効果を生み出してきました。フォルクスワーゲンとイケアは、広告にFuturaのみを使用していますし(ただしイケアが使用していたのは2010年までで、その後Verdanaに変更したことで物議を醸しました)、ドミノ・ピザやアブソルート ウオッカのロゴに使用されている書体にも皆さんはお気付きかもしれません。 映画監督スタンリー・キューブリック(『2001年宇宙の旅』)と、同じく映画監督のウェス・アンダーソン(『ザ・ロイヤル・テネンバウムズ』)は、作品のタイトルやクレジットにFuturaを好んで用いることで知られています。 Futuraの最高の功績と呼べるのは、月への上陸でしょう。1969年に人類初の月面着陸を行ったアポロ11号の一行は、月に残してきた銘板に書かれた文字の書体に、賢明にもフーツラを採用していたのです。 写真:アポロ11号月着陸船「イーグル号」に取り付けられた銘板(idsgnより) これを歴史と呼ばずして、何をそう呼べば良いのでしょう。 あなたの好きな書体は何ですか? 掲載画像:ニック・シャーマン (Flickrより)[ 翻訳:shunichi shiga ]

書体を見つける:ロゴフォントを選ぶ4つのヒント

書体を見つける:ロゴフォントを選ぶ4つのヒント

さて、あなたの想いを完璧に伝え、再利用も簡単で、認識できるサイズのロゴ、なおかつ人目を引くロゴが出来ましたね。難しい作業は終わりました。本当ですか? いいえ、まだまだこれからです。 フォントの選択は、ロゴデザインのきわめて重要な側面であり、おろそかにしてはいけません。 適切なフォントは、ロゴ(やブランド)の効果をさらに高めます。一方では、不適切なフォントは、カスタマーを興ざめさせてしまう場合があります。しかし数千ものフォントが使用できるとすれば、どうやってあなたのブランドロゴにぴったりのフォントを選びますか? 最高のロゴデザインを完成させるのに役立つヒントをいくつかお教えしましょう。 1. ありきたりのものは避ける — さて、あなたがお持ちのワープロソフトには、フォントが取りそろえられています。ほかの人のワープロも同じだということが問題なのです。現在の競争市場下では、自分のブランドをそのフィールドで、ありきたりのものにしたくはないでしょう。これまでの価値観には捉われずに考えてください。フォントを入手できるサイトがたくさんあるので、調査しないという言い訳は通用しません。ほとんどのサイトで、各フォントをプレビューできるので、購入する前にそれぞれの見え方を確認することができます。 Attic (by You Work For Them) 2. 時間が経っても色あせない — 1970年代後半のディスコフォントを覚えていますか? 風船で作った動物の様に見えるフォントです。数年間、大流行しましたが、その後は廃れてしまいました。ロゴマークは、一時的なデザインの人気に耐えなければいけない、ということを忘れないでください。そして、フォントにも同じことが言えます。もし誰もが突然、特定のフォントスタイル(例えば現在、いたるところで見られるようになったSketch Block)を使い出したなら、何か他のフォントを選んでください。思い出してください。あなたは、ロゴを目立たせたいのです。流行を追うことが手っ取り早いことのように思えますが、おそらく1年以内に後悔するでしょう。 Intro Free Font (by Miroslav Bekyarov) 3. 実質本位 — タトゥーコミュニティに、「ボールドは長持ちする」という名言があります。このことはフォントにも当てはまります。一般に、厚みがなく繊細な、花模様や渦巻き状のレタリングは、より小さいサイズで複製するにはあまりに扱いづらく、見えなくなってしまうかもしれません。 Trio Grotesk (by Florian Schick) 4. スペースを空ける — 偉大なジャズトランペット奏者のマイルス・デイビスは、かつて「演奏しない音は、演奏する音と同じぐらい重要だ」と言いました。ですから、ロゴのフォントを選ぶときには、文字と文字との間のスペース(カーニング)にも気を配ってください。スペースが広すぎると、ロゴはスカスカでまとまりのないものになります。またスペースが狭すぎると、ロゴは読みにくく不愉快なものになります。優れた直観力を持つデザイナーであれば、ロゴに見合う効果がきっと得られるでしょう。 Bobber (by Lucas Almeida, Dmitry Goloub) ロゴはブランドの顔です。一番大切な世間との接点です。だからフォントを検討するときには、そのブランドの個性とロゴを通じて伝えたいことを考えてください。それは何ですか、速さ、力強さ、信頼性、アクセスの良さ、それとも細部への注意でしょうか?フォントの”個性”はメッセージの推進に大きな役割を果たすでしょう。賢明な選択をしてください。[ 翻訳:shunichi shiga ]

ユートピアを目指したデ・ステイル造形運動のビジュアル付き歴史概要

ユートピアを目指したデ・ステイル造形運動のビジュアル付き歴史概要

デ・ステイル(De Stijl:オランダ語で「スタイル」の意味)は第一次世界大戦の混沌の中、「秩序への回帰」を掲げて生まれた芸術活動の一つです。 ドイツの芸術家ピエト・モンドリアンとテオ・ファン・ドゥースブルフが中心となり興ったデ・ステイルは、戦前の芸術の装飾的な傾向(アール・ヌーヴォーを思い浮かべて下さい)を否定し、あらゆる対象を幾何学的形式で描くキュビズムを、新たな芸術の性質として提唱しました。最も基本的なデザイン要素である垂直、平行の直線や、原色のみで表現する完全な抽象芸術を目指していました。 デ・ステイルの造形理念は芸術美を持ちながらも社会に大きく影響しました。芸術家自身の個性を表面上から取り除き、精密さや全体的な調和を求めることによって、デ・ステイル派は未来のユートピアへの基盤を築けると考えていました。 全体主義を理念とするデ・ステイルは、社会を立て直すために、いわゆる「高級芸術」や「応用美術(グラフィックや製品のデザインなど)」、そして「建築美術」を区別している間違った定義を撤廃しようとしました。 デ・ステイルは絵画だけでなくデザインや建築の分野にもその性質が反映されています もちろん、現代のロゴやウェブサイトのデザイン分野でも、この性質が見られます(ある意味では、モンドリアンこそがWindowsの初めてのデザイナーと言えるかもしれません)。 デ・ステイルな作品に目を向けると、それらの特徴はすべて、現代のデザイナーが扱い、称賛しているものだということが分かります。ミニマルな単純性や緊張感の表現、対象物と余白スペースのバランス、グリッド(格子状のデザイン)などです。 Microsoftに用いられたグリッドには、デ・ステイルの芸術美の影響が感じられます 英国のデザイン雑誌『Eye』に掲載されたエッセイで著者ジェシカ・ヘルファンドは、デ・ステイルこそ現代のデザイナーが持つプロ特有の危機感に対する答えだと訴えています。それについて言及した部分を抜粋しました。 ― さまざまなものが電子化した現代の環境の中では対人交流が共存し発達しているために、(もし完全に廃れていないと考えるなら)デザインの機能は社会の主流から取り残されていると考える人もいるかもしれない。あるいは、デザイナー自身の役目が消えかけているとも感じるだろうか。おそらく私たちは無意識のうちに、その支配権をコンピュータや作品を見る人、新しいものを求める欲、成長するグローバル社会に委ねてしまったのだ。― しかし、著者はその状況に対する解決策も提示しています。 ― 現代デザイナーにできること、取り組むべきことの核心は、精密さを明確にし、称賛するということだ。それを活用することでデザイナーの役割はより具体化されると同時に重要さを増し、新たなビジュアル定義を構築する者としての使命が再び明確になるだろう。 スクリーン上でクリエイティブな表現を形とすることに苦心しているなら、デ・ステイルの芸術家たちのように、自分の作品を限られた直線的な要素を用いて訴えてみてもよい。私たちは現代のサイバースペースが生み出す無限に広がる空間で、デ・ステイルの直線で示す魅力を伝えることができるのだから。― まだまだ語るべき内容はあるのですが、デザインの歴史に関しては、おそらくビジュアルで順に追っていくのが最良でしょう。そこで、デ・ステイルの想像力豊かな作品や、デ・ステイルにインスパイアされたデザインを用意してみました。 雑誌『デ・ステイル』1号、2号の表紙 映画『インセプション』のオマージュポスター。デ・ステイルの表紙にインスパイアされたデザインです。 テオ・ファン・ドゥースブルフとリチャード・ケグラーのデ・ステイル書体。四角形のジオメトリックなコンセプトが土台となっています。 アムステルダム市立美術館の新しいロゴはとてもミニマルに仕上がっています。完全なデ・ステイルではなく、根本的なデ・ステイルの要素がいくつか含まれています。 こちらの2つもデ・ステイルにインスパイアされたロゴです。建築家ハリス・アームストロングのロゴ、アップルの改訂版ロゴ。 改装したモンドリアンのスタジオ デ・ステイル展示会のポスター デ・ステイルにインスパイアされた3Dデザイン 別の展示会ポスターと、その展示会グッズ オルタナティブ・ロックバンド『ザ・ホワイト・ストライプス』のデ・ステイルを取り入れたアルバムジャケット。アルバムタイトルにも起用しています。 米国オークション会社eBayのロゴデザインを募集した99designsのコンペで、Ruiz Nala wi Garengが提出した作品には目を奪われました。斜線が多いため、デ・ステイルにはなりきっていないものの、色使いや黒のラインがデ・ステイルな印象を与えます。 いかがでしたか?デ・ステイルは現代デザイナーが持つ問いへの答えだと思いますか?最近、デ・ステイルなデザインを見かけたなら、ぜひコメントをしてシェアしてください! アイキャッチ画像:Theo van Doesburg 『Composition Ⅶ(the three graces)』(Wikipediaより)[ 翻訳:shunichi shiga ]

最新のデザインコンペ

デザイナーとしてステップアップできるお仕事をご用意しています。