注目を集めた著作権侵害訴訟5件(さらに、そこから学べること)

shunichi shiga

著作権の問題は、容易に白黒の判断がつくようなものではありません。創作物の著作権をめぐる論争は尽きることがなく、避けて通れない事項になっています。

世間に著作権に関する大きな議論を巻き起こした、著名な訴訟がどのように取り扱われ、何を意味し、なぜ多くの注目を集めたのかを見ていきましょう。

1. Rogers 対 Koons

copyright infringement

Photograph: Art Rogers – 1985; Polychrome: Jeff Koons – 1988 (both via The Design Observer Group)

訴訟

フォトグラファーArt Rogersは、1列に並んだ子犬を抱いたカップルを撮影し、グリーティングカードなどの商品に利用されるよう販売しました。

世界的に高名なアーティストJeff Koonsは、日常の事柄の凡庸さを表現する展示を作る過程でRogersの写真に出会い、そのイメージを元にひと組の像を作成しました。Koonsはそれらの構築物を売り、大きな利益を上げました。コピーを発見したRodgersは、著作権を主張しKoonsを訴えます。対してKoonsは、パロディという公正な利用であると反論しました。

結果

裁判所は2つのイメージは非常によく似ているとし、「普通の人」が見ればコピーと認識するだろうと指摘しました。パロディであると言うならば、Rogersの作品ではなく、より一般的に知られたソースを使うべきである、という論拠によって、Koonsの答弁は退けられたのです。koonsには、Rodgersへの和解金の支払いが言い渡されました。

意義

これはアート界にさらに大きな事案、「盗用芸術」という問題をもたらした有名な訴訟の1つです。別の誰かの作品を元に作った作品はオリジナルと言えるのか。そのような作品を創作した場合、それは二次創作物とみなされるのか。またこの訴訟は、写真は単に世界を記録したものであるのか、あるいは創作物、アート商品であるのか、というアートとしての写真の問題点を提示しました。もちろん、この訴訟がそれらの問題全てに対する答えを出したわけではわけではありませんが、以降の多くの訴訟で参照されていることも確かです。

写真をベクタートレースをデザインに使うのも似た事例でしょう。あなたは、オリジナルのアーティストの価値を差し引いた二次創作物を作っているでしょうか。

2. The Associated Press 対 Fairey

copyright infringement

Photograph: Mannie Garcia – 2006 (via The New York Times); Poster: Shephard Fairey – 2008 (via Wikipedia)

訴訟

著名なストリート・アーティスト、Shephard Faireyは、2008年にオバマ大統領が大統領選挙の最初の立候補期間中にHopeポスターを作成しました。そのデザインは、実際はオバマ側の認可を得ていない、何にも属さない作品だったものの、すぐさまオバマキャンペーンのシンボルになりました。2009年1月、
Faireyがデザインのベースにしたとされる写真がAP通信のフリーランス、Mannie Garciaが撮影したものであること、AP通信はFaireyの写真利用に対し、支払いを要求していることがAssociated Pressにより明らかにされました。これに対しFaireyは、彼の作品はオリジナルの写真の価値を損ねるものではない、よってフェアユースである、と主張したのです。

結果

アーティストとAP通信は2011年1月、作品による収益の分割を盛り込んだ示談に応じました。

意義

この訴訟は、法廷には持ち込まれなかったため評決も存在しないものの、これら著作権闘争で言うところの作品の価値について、多大な議論を巻き起こしました。もしFaireyのポスターがなければ、Garciaの写真が現状のレベルの知名度を得ることはまずなかったでしょう。Garcia自身、「写真と、それをFaireyが芸術的に利用したこと、その影響力を誇りに思う」と述べています。それでもなお、Faireyが許可なく、オリジナルの作者のクレジットを入れることなしにイメージを使った事実は問題なのです。クレジット、クレジット、クレジット! 99designsでは、ライセンスを持つ作品を使うことはできません。しかし、正しい条件に基づいていれば、ストックイメージを使うことはできます。その場合は、誰もが元の画像を知ることができるようにしましょう。

3. Cariou 対 Prince

copyright infringement

Photograph: Patrick Cariou – 2000; Adaptation: Richard Prince – 2008 (both via artnet)

訴訟

Richard Princeは、よく知られた盗用芸術家です。他人の作品を変形させ、自身の作品の中で新しい意味を作り出しています。Gagosian Galleryの展覧会のため、Princeはフランス人フォトグラファー、Partick Cariouの写真集掲載の41点のイメージを使用し、写真から新しい意味を創作したとしてフェアユースを主張しました。Cariouは、フェアユースではなく著作権侵害であると反論しました。

結果

2011年、判事は、Cariouの写真に施された変更は、意味の変更(フェアユース)に相当するほどの意義はなかったとして、Cariouに有利な判断を下しました。しかし、この訴訟は現在控訴中であり、まだ最終判決にはいたっていません。

意義

この裁判におけるCariouに有利な最初の判決は、アート界隈のコミュニティに大きな分断をもたらしました。芸術的な意図とアートの主観性に関して、アートは見る人によって様々な翻案がなされるのに、「フェアユースとみなせるほどの盗用芸術作品であるかどうかを、なぜ判事が決められるのか」という疑問が持ち上がったのです。この件についてまだ陪審の判断は出ていません。

イミテーション vs. インスピレーション

他人の作品によく似た作品を作るデザイナーにならないようにしましょう。確実に、模倣ではなく、オリジナルを作らなければなりません。

2013年4月25日 更新

この記事が掲載されて2週間もたたないうちに、最初の評決は覆され、判事は論争になった作品の大半についてPrinceに有利な判決を出しました。Princeの作品は、元の作品を美的に全く異なって見えるように変更しており、そのためフェアユースとして受け入れられるという論拠です。評決の詳細と、下級裁判所においてなお審理中の5作品についてはThe New York Times Hyperallergicを参照してください。

4. Modern Dog Design 対 Target Corporation

copyright infringement

Illustrations: Modern Dog – 2008; T-shirt: Target (both via Business Insider)

訴訟

Seattleのデザイン会社、Modern Dog社は、2008年にChronicle Booksから出版された抄録に犬のスケッチのシリーズを使っていた。彼らは、そのデザインのイラストがDisney/Target製造のTシャツで盗用、販売されているとして2011年に訴えた。

結果

未定。この訴訟の判決は出ていませんが、Modern Dog社はこの問題に関する訴訟費用を求めて、オンラインでパブリシティと資金の援助を大々的に呼びかけています。

意義

Modern Dog訴訟は多くのデザイナー、アーティストが内心くすぶらせていた疑問に光を当ててきました。自分よりもたくさんのリソースを持つ大企業が私の作品を商売に使ったらどうなるのか。近頃、Modern Dog社はこの闘争に関わる訴訟費用をまかなうため、スタジオの売却を余儀なくされました。つまり、彼らにとっては極限状態なのです。この件がどのように進展し、問題を取り巻く議論がどのように変わって行くか、注視したいものです。

常に、自分のデザインを守りましょう。対抗する相手が誰であったとしても、あなたのデザインに権利があると思うなら、それを知らせていくのです。

5. Vanilla Ice 対 David Bowie/Freddie Mercury

Video: DF Bothma (via YouTube)

訴訟

Vanilla Iceは、1991年、Ice Ice Babyをヒットさせました。David BowieとQueenの楽曲Under Pressureをサンプリングしていますが、クレジットを明示していません。Vanilla Iceは最初は否定したものの、後にそれは「ジョークだ」とした発言を撤回しました。デュオによる起訴に際し、Vanilla Iceは作品をサンプリングしたことを認めました。

結果

この訴訟は、Vanilla Iceが未申告の賠償を支払い、トラックにBowie/Queenをクレジットする条件で示談になりました。

意義

この件には、直接デザインに関係する大きな意味はありません(他人の作品を使ってはいけない、ということ以外には)。しかし、この記事にどうしても付け加えたかったのです。かつて、これほどおかしな著作権訴訟があったでしょうか。

他にも様々な訴訟があります。何を学び取ってきましたか。

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ソール・バス:グラフィック・デザインに革命を起こした男

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歴史上、最も成功したグラフィック・デザイナーと言えば、ソール・バスかもしれません。彼は、グラフィック・デザインの重要性が著しく増していた20世紀中盤に活躍し、独自の象徴的で余計なものを削ぎ落としたデザインで、驚くほど多くの大企業のブランディングに成功しています。 Bell、クリネックス、AT&T、すべてソール・バスの作品です。もしあなたが、50年もの間、輝きを失わず廃れることなく続いていくデザインを探し求めていたのなら、ソール・バスこそがそれらを作った男でした。 ソール・バスのデザイン。左からBell(1969年)、クリネックス(1980年代)、AT&T(1986年) ソール・バスが知られているのは、ロゴデザインだけではありません。というよりも実際は、ロゴは彼の芸術的な遺産のほんの一部なのです。それでは、現在まで続く、彼の最も素晴らしいグラフィック・デザインの作品を見てみましょう。 キャリアのスタート — ソール・バスは1920年、ユダヤ系移民の子どもとしてニューヨークに生まれました。創造力にあふれた子どもで、いつも絵を描いていました。アート・スチューデンツ・リーグ・オブ・ニューヨークの夜間クラスに通い、幸運なことに、機能的で美しいデザインで知られるバウハウスの巨匠・ジョージ・ケペッシュの下で学ぶことになりました。 映画のグラフィック・デザイン — 1940年代にソール・バスは、ニューヨークからカリフォルニアに拠点を移しました。広告デザインの仕事をメインとしていた彼は、1954年公開の映画『カルメン』の仕事で初めてブレイクすることになります。映画の製作会社は、ソール・バスのデザインしたポスターに大変感動し、タイトル・クレジットのデザインも依頼します。これが彼のその後を大きく変えることになるのです。 ソール・バスのデザインしたポスター。左から『或る殺人』(1959年)、『昼下りの情事』(1957年) ソール・バスのデザインしたポスター。左から『黄金の腕』(1955年)、『めまい』(1958年) ソール・バスは、不要なものを削ぎ落とした独自のスタイルで、映画ポスターを洗練されたものにレベルアップさせ、タイトル・クレジットの役割に革命を起こしたのです。それまでタイトル・クレジットは単調で面白みのないものでした。その重要性がまったく認められていなかったため、実際にタイトル・クレジットが放映される時には幕が閉まっていて、映画のシーンが始まってから幕が開くということが当たり前だったのです。 しかしソール・バスは、これらのグラフィックに命を吹き込み、他のものと同様に映画を観るという体験の一部として楽しめるようにしたのです。その後、彼のアイコンともなる「キネティック・タイポグラフィ」を初めて導入しました。バスの文字はスクリーン上で大きく躍動し、しばしば文字以外のビジュアルと組み合わせて表現されました。 こうして、タイトルは映画鑑賞の楽しみのひとつになったのです。ソール・バスのデザインしたクレジットが使われたフィルムは、「映写技師の方へ。タイトルの前に幕を開けてください」という注意書きとともに映画館に配給されました。 長く色あせないロゴ — ソール・バスのデザインしたロゴの平均使用年数は、なんと34年です。さらに、コーセー(1959年)や紀文食品(1964年)、Warner Communications(1972年)、Girl Scouts(1978年制作、2010年にマイナーチェンジ)、そしてGeffen Records(1980年)のように、彼のデザインがいまだに使われているケースもあります。堅実で思慮深く、時代を超えるデザインであるため、これからもずっと使われていくのかもしれません。 ソール・バスのデザイン。左からコーセー(1959年)、紀文食品(1964年)、Warner Communications(1972年) 左からソール・バスのデザインしたGirl Scoutsのオリジナル・ロゴ(1978年)、OCD Agencyによってマイナーチェンジされたバージョン(2010年) ソール・バスのGeffen Records (1980)のロゴデザイン ロゴデザイナーのウィリアム・ヘイグは、コンチネンタル航空のロゴデザインでソール・バスと仕事をした時のことを回顧し、彼の呼ぶところの「信頼性に基づいたロゴデザイン」を初めて体現したものだったと言っています。ヘイグは、次のように語っています。 私は1500のスライドを持っていきました。夜遅いミーティングで、私とソールは、コンチネンタルの外観がどのような意味をもつのか、新しいビジュアルを作成する段階として、我々が新しいロゴデザインで表現できるものは何なのかを話し合っていました。その時ソールがこんなことを言ったんです。「もしこれがウェスタン航空だったら、カウボーイの衣装を連想させるような“ウェスタンな外観”を利用して“ウェスタン”らしく見えるロゴを作ればいいだろう」って。でもそれは、当時高いサービスレベルが売りのコンチネンタルだったんです。 ソール・バスの有名なコンチネンタル航空“jetstream”のロゴ(1968年) このロゴ自体は、他のソール・バスの制作物とともに1991年に変更されてしまいましたが、この独特なデザインは、グラフィック・デザインの歴史の中で生き続けることでしょう。 あなたはどのデザインが好きですか?   [ 翻訳:shunichi shiga ]

有名な建築物から学ぶ10のデザイン原則

有名な建築物から学ぶ10のデザイン原則

デザイナーにとって、自分の専門外の分野から受けたインスピレーションは、時としてプラスに作用します。例えば、近現代建築の世界で生み出された目を見張るような建築物は、人間の創造力や美意識の証しであり、じっくり見る価値があると断言できます。 この記事では、(現代に重点を置いて)過去150年間における非常に有名な建築物の情報を集め、特徴に応じて10個のデザイン原則に分類しています。実際に、あらゆるクリエイティブな活動に生かせる内容なので、ぜひ読んでみてください。 1. 技術を試す — 19世紀半ばに鋼の画期的な精錬法が発明され、これによってかつて石積みを基本に作られていた建築物は、過去最高の高さに達します。1854年に再建されたSir Joseph Paxton設計の水晶宮は、全体が鉄骨とガラスでできており、新たな可能性を祝うように堂々とそびえ立っていました。その流れに乗ったのがエッフェル塔で、1889年に324メートルという高さで世界一高い建築物になります。 もちろん、今ではエッフェル塔の記録も抜かれています。最近ではAdrian Smithが設計したドバイのブルジュ・ハリファが、地上828メートルという驚きの高さを誇っています。 水晶宮、ロンドン (Sir Joseph Paxton) エッフェル塔、パリ (Gustave Eiffel) ブルジュ・ハリファ、ドバイ (Adrian Smith) 2. ルールを曲げる — 超高層ビルは垂直なもの。そんな概念を覆したのはRem Koolhaas率いる建築会社のOMAです。彼らが北京に建設したのは、中国中央電視台本部ビルでした。この斬新な建物は、環状に連なる6つのパーツから成り、そのうちの3つは水平になっています。こんなビルがあっても、いいですよね。 中国中央電視台本部ビル、北京(OMA) 3. 自らの理念を貫く — モダニズムと言えば、人を楽しませる建物よりも、知的で完全な建物を生み出すことで有名です。 1919年から1933年まで開校していたドイツのバウハウスという学校では、ミニマリズムと機能性重視という原則を非常に重視していました。彼らはどんな反発を受けようと、この原則を守り続けたのです。 1958年に完成したLudwig Mies van der Rohe設計のマンハッタンのシーグラム・ビルディングは、国際様式の見本と言われています。そこからわずか20ブロック先の住宅地には、コンクリートを積み上げたようなMarcel Breuer設計のホイットニー美術館があります。この建物は、オシャレなマディソン街の住民を50年間刺激し続けてきました。(けれども来年この美術館は、窓が多い新しい建物に移転する予定です)。 シーグラム・ビルディング、ニューヨーク市 (Ludwig Mies van der Rohe) ホイットニー美術館、ニューヨーク市 (Marcel Breuer) 4. コンセプトをスケッチする — 建築は、数学と工学に基づき、真に合理的なアートであり、そこに美学が入り込む余地はない、と誤解されることがあります。これは場合によっては正しいのですが、反証する建築家もいます。それは、彼らのスケッチを見れば明らかです。 イラク出身の英国人建築家であるZaha Hadidは、形に強いこだわりを持っています。ローマにあるイタリア国立21世紀美術館(MAXXI)のように、彼女の建築物の大半は、抽象的なスケッチ(下の画像の左上)や絵(下の画像の中央)から生まれたものです。 一方、Lebbeus Woodsは、ほとんど建物を作っていないことで有名です。”建築理論家”である彼の作品の大半は素晴らしい絵なのです。現実的に建築不可能とまでは言いませんが、非常に実現困難なものはいくつかあります。 しかし彼は、晩年に自らのアイデアの1つを具現化しました。それがLight…

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